Parfois, un spectacle valse, de façon trépidante, depuis sa course initiale jusqu’au West End pour un tour de victoire grandiloquent.
C’est le cas de l’adaptation par Simon Evans et Debris Stevenson de la pièce de théâtre tragi-comique d’Edmond Rostand de 1897, basée sur le conte très vrai du poète duelliste français du XVIIe siècle, Cyrano de Bergerac. Vu pour la première fois à Stratford-upon-Avon l’automne dernier, il réajuste une mise en scène poussée dans une configuration finale pour un passage à Londres au Noël Coward Theatre.
Evans, également réalisateur, n’a aucun problème à conserver le cœur enchanteur et le brio de la série dans sa deuxième maison. Son équipe créative – notamment la scénographe et costumière Grace Smart et l’éclairagiste Joshie Harriette – trouvent des moments de magie dans l’histoire de l’homme martial incapable d’avouer son amour pour son amie d’enfance Roxane. Au lieu de cela, il se cache derrière des mots effrénés et réquisitionne les attirances naïves d’un camarade soldat Christian afin d’exprimer ses sentiments par la ruse et l’artifice.
Alors que Cyrano se déplace de Paris vers les lignes de front fatidiques et retour, son savoir-faire habile est progressivement démantelé pour exposer la réalité de brique nue d’un homme ravagé par la conscience de soi, principalement causée par son nez déformé et distinctif – la caractéristique la plus célèbre du personnage.
En apparence, la vision d’Evans et Stevenson semble assez conventionnelle – des morceaux de poésie pleine d’esprit dans un assortiment de mètres et de styles différents, mêlés à des costumes d’époque et à des épées fanfaronnes. On est bien loin du montage monochrome de Jamie Lloyd qui a marqué les confinements avec deux saisons londoniennes. Mais, comme leur protagoniste, les deux hommes produisent un scénario désarmant et rapide avec beaucoup plus de bouillonnements sous la surface qu’il n’y paraît initialement. Avec pour toile de fond la sanglante guerre franco-espagnole, c’est une méditation sur la mortalité, sur la vie perdue et sur l’amour jamais abandonné, même après la mort.
Bien sûr, rien de tout cela ne serait aussi parfait sans une entreprise solide comme colonne vertébrale – et le directeur de casting Matthew Dewsbury met tout en œuvre : Susannah Fielding apporte un esprit infatigable et une verve rafraîchissante à Roxane, une femme piquée par le souvenir d’un mariage enchaîné et qui cherche maintenant désespérément la libération. Son monologue final hurlant alors qu’elle révèle la vérité qui se cache derrière sa vie perdue est effrayant. Levi Brown a le charme gagnant dans le rôle de Christian, l’idole provinciale, de France en passant par Wolverhampton, tandis qu’un assortiment de personnages bizarres et décalés étoffe le monde parisien. Une idée hilarante – un groupe de musiciens itinérants obligés de suivre Cyrano partout après un pari aux enjeux élevés – ajoute du timbre et de la texture aux scènes, principalement grâce au travail de composition d’Alex Baranowski.
Tout spectacle doit vivre ou mourir par le poète au nez sportif, et Adrian Lester livre sa meilleure performance dans les années d’âne dans le rôle de Cyrano, parfois campant de manière ludique, d’autres fois sardoniquement d’acier dans le rôle du héros tragique. Il porte sans crainte les défauts de Cyrano sur sa manche, tandis qu’une autre invention brillante, l’introduction d’une ombre juvénile évoquée depuis sa jeunesse et incarnée par un jeune acteur sans voix, fonctionne avec brio.
À une époque où les mots sont inexorablement produits par chaque nouveau modèle d’IA sous le soleil, avoir une pièce qui célèbre avec autant de défi le pouvoir de la prose et du texte sur une page semble d’une importance galvanisante. La saison des récompenses à Londres vient peut-être tout juste de commencer, mais ce serait une surprise de ne pas voir les noms de Lester ou Fielding sous les projecteurs à sa conclusion.
