«C’est incroyable ce que la pâtisserie peut faire», selon les paroles de Sara Bareilles dans la comédie musicale bien-aimée de Broadway et du West End, Waitress. Après avoir regardé cette production superbement remontée du dixième anniversaire, lors d’une tournée au Royaume-Uni après sa première à Wimbledon, l’œuvre originale de la réalisatrice Diane Paulus recréée par Abbey O’Brien, j’ajouterais également que c’est incroyable ce qu’un bon casting peut faire.
Pour la première fois, la version londonienne mettait parfois en vedette des artistes célèbres qui semblaient choisis pour leur puissance de star plutôt que pour leur adéquation aux rôles. Ici cependant, les directeurs de casting David Grindrod et Stephen Crockett forment une équipe si parfaite qu’un accordeur qui peut paraître sucré et synthétique entre de mauvaises mains frappe avec une urgence émotionnelle indubitable et un humour irrépressible. Il y a aussi une attention aux détails que je n’ai jamais expérimentée dans aucune itération précédente de ce spectacle, dont les charmes m’ont pour la plupart échappé jusqu’à présent.
La gentillesse accessible et comme la tarte aux pommes de Carrie Hope Fletcher a rarement, voire jamais, été vue avec autant d’avantage qu’ici avec Jenna, la serveuse du restaurant piégée dans un mariage abusif et avec un bébé en route. Fletcher investit cette jeune femme adorable et troublée (« elle est brisée et ne demande pas d’aide, elle est en désordre, mais elle est gentille ») avec une chaleur rare, mais aussi un noyau d’acier palpable et un profond puits de mélancolie. Il s’agit d’une performance mature et accomplie, discrète mais magnifiquement chantée et authentique. Elle vous brise le cœur furtivement.
L’affection entre Jenna et ses collègues et meilleurs amis, l’exubérante et courageuse Becky (Sandra Marvin, absolument magnifique) et la timide et anxieuse Dawn (une Evelyn Hoskins délicieusement folle) est palpable et réelle. Ces femmes forment une équipe formidable et, surtout, nous nous investissons pleinement et croyons en elles. Ils sont souvent très drôles, mais rarement au détriment de la plausibilité. L’interprétation de Marvin de « I Didn’t Plan It », le coup de théâtre dur de Becky sur l’acceptation d’une existence loin d’être idéale, fait dresser les poils sur la nuque.
Waitress est une émission puissamment dirigée par des femmes, mais la qualité de cette itération est telle que les hommes ne se sentent pas seulement après coup. Dan Partridge dans le rôle du Dr Pomatter, le médecin qui pourrait offrir à Jenna un moyen de sortir de son épouvantable mariage, a une vitalité ringard et névrotique qui pénètre, mais aussi une certaine profondeur. Dan O’Brien est extrêmement attrayant dans le rôle du gérant du restaurant Cal, dont l’aboiement est bien pire que sa morsure, et Mark Anderson remporte un triomphe absolu dans le rôle de l’adorable excentrique Ogie, qui tombe amoureux de Dawn. Les Dennis ajoute une gravité grincheuse et un cœur énorme dans le rôle du vieux habitué du restaurant, Joe, qui voit la vraie valeur de Jenna. Mark Willshire réussit à trouver des couleurs et des couches dans le rôle à peine écrit de l’horrible mari, Earl.
Le scénario de Jessie Nelson, qui se déroule dans une petite ville américaine et basé sur le film d’Adrienne Shelly de 2007, est joué avec un tel enthousiasme et une telle sincérité que les changements de vitesse entre humour grivois, romance hésitante et réalisme social déconcertant sont à peine perceptibles. Pour un livre musical, il y a une complexité surprenante dans la manière dont les relations sont décrites (la majorité des liaisons sexuelles décrites ici sont extraconjugales), même s’il n’y a pas assez de temps ou de bande passante pour les explorer de manière satisfaisante.
Bien qu’elles soient un peu trop nombreuses, les chansons pop et country de Bareilles ont rarement sonné aussi bien qu’aujourd’hui. La conception sonore de Rob Bettle garantit que chaque harmonie lyrique et vocale est enregistrée. En toute honnêteté, les numéros uptempo ont tendance à ressembler à un album plutôt qu’à de la vraie musique de théâtre, mais les ballades ont une grâce chatoyante qui appartient entièrement à la scène.
L’apothéose de la partition est, bien sûr, « She Used To Be Mine », l’ode de Jenna à son enfant à naître alors qu’elle déplore simultanément la vie qu’elle menait, et un air de spectacle aussi beau que tout ce qui a été créé au cours des trois dernières décennies. Fletcher, dans une performance qui redéfinira sa carrière, livre cet air folk taché de larmes avec une simplicité et une intensité à couper le souffle.
Il y a un éclat de Broadway dans le décor de Scott Pask, l’éclairage de Ken Billington et la chorégraphie onirique, bien que légèrement galvaudée, de Lorin Latarro qui privilégient le glamour au courage, et Waitress trace une ligne fine entre l’évasion et la vérité qui est parfois truquée. Mais dans cette production actuelle, il est dans un état vraiment époustouflant, et pendant les moments les plus calmes et de réflexion, même avec un public de presse débordant d’enthousiasme, on pouvait entendre une mouche voler. Sucre… beurre… farine… magie.
